case10｜ 〈横浜美術館〉人が参加したくなる場には何がある？

今回のリニューアルは、設備の改修と空間デザインの２段階で実施されたそうですね。どのような経緯があったのでしょうか？

〈横浜美術館〉は丹下健三さんの後期の作品で、竣工から30年以上が経ち、空調機器の更新やエレベーターの新設などが必要になりました。なかでも大規模だったのが、メインスペースであるグランドギャラリーの天井にある可動ルーバーです。故障により長年使用できない状態になっていたため、改修工事を行うことになりました。こうした設備更新などは、丹下さんの息子さんが会長を務める〈TANGE建築都市設計〉が担当されました。

建物そのものにはほとんど手を加えていないそうですね。そこからどのように空間デザインへと展開していきましたか？

これまで美術館には敷居の高いイメージがありましたが、国際博物館会議で博物館の新しい定義（※）が採択されるなど、近年では開かれた場として見直されてきています。そうした動きを踏まえ、館長と全スタッフが、改修後の施設はどういう空間になるべきかを協議し、「誰もが気軽に立ち寄り、思い思いに過ごせる場所」という方向性に決まりました。

そうした方向性と「建築そのものには手を加えず、現代のニーズに沿った空間に変える」という条件のもとでプロポーザルが行われ、私たちが空間構築を担当させていただくことになりました。

プロポーザルではどんな提案をされたのでしょうか？

テーマは「カンバセーションが湧き起こる美術館」。従来の美術館には静かに鑑賞しなければいけないという空気がありました。もちろん今でも騒ぐと注意されることはありますが、これからの時代、もっと会話を楽しめる場にするべきだろうと。そこで、彫刻展示のための空間だったグランドギャラリーを、「じゆうエリア」という人々がくつろげるラウンジにつくり直す提案をしました。

もう１つ、重要なのがサイン計画です。美術館は貼り紙の多い場所。それだけ伝えたいことがたくさんあるということです。しかし設計側としては、ノイズになりそうな貼り紙は極力減らしたい。そこで、今回は貼り紙も含めてカンバセーションと捉え、空間の雰囲気を損なわない看板をあらかじめ設置することで、伝えたいことがきちんと掲示できる仕組みを考えました。

具体的にどのような形に落とし込んでいったのでしょうか？

〈横浜美術館〉はバブル期を象徴するポストモダン建築です。御影石をふんだんに用いた荘厳な空間は、開館以来多くの来館者を魅了してきました。一方で、格式の高さゆえに少し身構えてしまう部分も。この印象をやわらげるため、ピンクやベージュなどの色を加えることにしました。

加える色の種類はどのように決めていきましたか？

御影石をよく見ると、さまざまな色が埋め込まれていることがわかります。そこに着目し、この建築に使われている石から色を抽出して11色のオリジナルカラーを制作しています。それらを什器に割り当てることで、重厚な石の空間にマッチしながらもやさしい雰囲気が演出できるようにしました。

色を抽出するというアイデアは、どこから着想を得たのでしょうか？

昔は色鉛筆に「肌色」という名前がありましたよね。これは私たち日本人の色をベースに名付けられたものですが、実際、肌の色は人種によってさまざまです。化粧品のファンデーションにも似た現象が起こっていて、日本の店頭だとバリエーションはさほど多くないのですが、欧米に行くと本当に多種多様な色が並んでいます。それがすごく面白いなと前々から思っていて。色のバリエーションに多様性が表れるファンデーションと、さまざまな色で構成されている御影石が、私の中でリンクしたんです。

色に加えて、什器の数が多いのも印象的です。

プロポーザルの時から、什器はあればあるほどいいと考えていました。なぜなら、以前のグランドギャラリーは広々とした静かな空間で、滞在するためのとっかかりがなかったからです。人のいない空間に対して、気軽に使おうという気持ちは起こりにくいもの。多少雑多なくらいが、リラックスしたムードをつくりやすいんです。そうすると人が集まり、それを見た人がまた集まってくるという連鎖が生まれます。

什器のバリエーションはどのように決めたのでしょうか？

まず、カンバセーションが湧き起こるためにはどんなアクティビティーが必要かを考えました。例えば、ラウンジとしてくつろいでもらうためには椅子やテーブル、クッションがいるだろうし、長く滞在してもらうためには本を貸し出せた方がいい。そうすると本棚も置かなければいけない。そんな風に、アクティビティーに紐づく什器を考えていきました。

そのほか、什器をデザインするうえでこだわったことはありますか？

多様なアクティビティーを生み出すには、可変性が不可欠です。そこで什器は固定せず、床に置いただけの状態にしています。ただ、そうなるとぶつかって倒れるなどの事故が起こる可能性があるため、安全性の担保にはとくに気を配りました。

多くの学びを得たのが、障がい者や車椅子使用者、高齢者、親子など、多様な背景を持つ方々と行ったインクルーシブワークショップです。例えば、当初看板の脚の部分は別のデザインで設計していましたが、視覚障がいのある方から「白杖が当たって倒れる危険がある」とのご指摘をいただき、丸い板を付けたガニ股状の脚へと変更してぶつかりにくく、かつ、安定感のあるものへと変更しました。また、一般的なテーブルの高さは床から70cm程度ですが、電動車椅子の方は座位が高いことから、85cmのものも追加しました。さらに、「椅子から立ち上がるのがしんどい」という高齢者の声を受けて、手すりを備えた椅子も生まれました。

無事リニューアルを終え、2025年に全館オープンしましたが、美術館はどのように変わりましたか？

グランドギャラリーにとどまる人が増え、空間の賑わいが増したと思います。また今回、ポルティコという半屋外スペースにもテーブルと椅子を配置したのですが、お弁当を食べる人の姿などが見られるようになってうれしいですね。今後は美術館前の広場にまではみ出して、街にもコミュニケーションが派生していけばいいなと思っています。来館者自身が好きな場所にテーブルと椅子を動かせるような仕組みをつくるのもいいかもしれません。

意外な使われ方などはありましたか？

可動式も壁付けも含め、屋内外にたくさんの看板を設置したのですが、もっと欲しいという声をいただいたのはうれしい驚きでした。カンバセーションがしっかり湧き起こっているんだなと感じましたね。プロポーザルの段階では、事前予約なしで自由に参加できるドロップインワークショップも実施できたらと考えていたんです。当初は運営側の人員が足りず、実現が難しいという声もありましたが、美術館さんが日々模索してくださり、最近では「じゆうエリア」のまるまるラウンジで無料のイベントが開催されるなど、空間の活用の幅も広がってきています。

乾さんは、現代の都市における「コモンズ（共有材）」の可能性について研究されていますが、その知見は今回の空間づくりにも反映されていますか？

そうですね。コモンズとはパブリックとプライベートの間にあるものを指し、豊かなコミュニケーションを誘発します。〈横浜美術館〉は公共の建築なので、パブリックそのものですよね。とはいえ、リラックスした雰囲気をつくって集客を図るには、なるべくプライベートに寄せていかなければいけない。そこで、来館者が空間づくりに参加していると感じられる要素を組み込むことで、正式なコモンズではないものの、「コモンズっぽさ」のようなものが生み出せればいいと考えました。

どういった要素があれば、空間づくりに参加していると思えるのでしょうか？

「人がいる」ということが、風景として成立していることが重要だと思います。周りを見渡すと、たくさんの知らない人が佇み、本を読み、語らっている。その様子が１つの心地良い風景になっていれば、自分も同じ風景を形成する一員だと思えるのではないかと。今回、多様な居場所をつくることにこだわったのは、そのためでもあります。

「コモンズっぽさ」は、これからの公共建築のカギとなりそうですね。

今の社会は、中間的な集団をつくるのがなかなか難しいと思うんです。もちろんソーシャルメディアでもつくれないことはないと思いますが、儚い関係性だったりして、長くは続かないことが多い。やっぱりそこには実空間が必要だと思います。

人と人が一緒にいていいと感じられる場があることで、中間的な結びつきが生まれていく。フードコートが楽しい、カフェだと仕事が捗るなど、他人といる方が安心できるという不思議な感覚は、どれだけテクノロジーが進化しても変わらないはずです。それこそが実空間の良さであり、言い換えれば、もはやそこにしか意義を見出せない時代になったのかもしれません。

中間的な集団にはいろんなグレードがあって、非常に緊密な結びつきから、ごく弱い結びつきまでさまざまです。強い結びつきが多いほど社会は安定しますが、それをいきなりつくるのは難しい。そのため、まずは弱い結びつきの数を増やして、育てていくことが大切です。その入口になるのが「人のいる風景」なのではないかなと思います。